Aunque una lista de «lo mejor del año» siempre es subjetiva, todo el equipo editorial de Clímax MX nos hemos dado a la tarea de seleccionar los que consideramos los 30 mejores discos del 2022. ¿Cuáles fueron nuestros criterios? Innovación, diversidad, impacto y proyección. Cuatro palabras que también encapsulan perfectamente nuestra misión e identidad como medio de comunicación.
Además de grandes regresos como el de Kendrick Lamar, Arctic Monkeys, Yeah Yeah Yeahs, Suede y Björk, en este año también se consolidaron proyectos como Black Country, New Road, Fontaines D.C y Working Men’s Club. En la escena latinoamericana, sobresalieron los Mengers, Myuné, Meridian Brothers, J. Zunz y The Americojones Experience.
Estos son los mejores discos del 2022:
30. New Meaning – Tempers
En New Meaning, los sintetizadores góticos se apoderan de cada canción en una ráfaga de fulminantes remates armónicos, acompañados de la angelical voz de Jasmine Golestaneh. Al mismo tiempo, la nostalgia juega un papel importante en la estructura del álbum gracias al toque de shoegaze en las guitarras de Eddie Cooper. El proceso de creación comenzó en el aislamiento y, por consiguiente, el disco realiza una travesía en el umbral de lo desconocido.
Por: Ricardo Hernández.
29. Reset – Panda Bear & Sonic Boom
Los sonidos efervescentes de los Beach Boys hacen un acto de presencia en cada canción de Reset. Claramente, la experiencia del mítico productor y parte fundamental de Spacemen 3, Sonic Boom, nutre todo el álbum de sintetizadores acoplados en capas que se complementan con las armonías de Panda Bear.
Por: Ricardo Hernández.
28. Autofiction – Suede
Para el noveno álbum de Suede, Brett Anderson y compañía decidieron retomar las bases de su sonido, claramente influenciado por el post-punk, con la intención de realizar un material más crudo y sincero que su antecesor, The Blue Hour (2018), que había adquirido tintes más orquestales y un ambiente cinematográfico.
El resultado de este ejercicio de retrospección culminó en Autofiction, un disco sumamente personal en el que Anderson rememora algunas partes de su infancia, reflexiona sobre su relación con el público y recuerda a su difunta madre. Sin duda, Autofiction es el álbum más destacado de la banda en los últimos años.
Por: Luis Felipe Maceda.
27. Never Coming Back – Shirley Nanette
El sello discográfico estadounidense, Big Crown, se dio a la tarea de relanzar el álbum debut de la cantante Shirley Nanette, titulado Never Coming Back, que fue grabado a principios de los años setenta en colaboración con el músico Hank Swarn, conocido por ser guitarrista de Earl Grant y su banda.
La grabación del disco se realizó en poco más de una semana y fue publicado originalmente en 1973, sin embargo, tuvo muy poca exposición y pasó casi desapercibido. Hoy, casi 50 años después, la frescura y entrega que ambos músicos le impregnaron al proyecto sigue intacta, y es por eso que debes escuchar Never Coming Back al menos una vez en tu vida.
Por: Luis Felipe Maceda.
26. Raum – Tangerine Dream
No existen palabras para presentar a Tangerine Dream, una de las agrupaciones más influyentes en el desarrollo de la escena musical alemana y la música electrónica. Ahora, tras el fallecimiento en 2015 de su líder y fundador, Edgar Froese, el grupo quedó a cargo de Thorsten Quaeschning, quien fue elegido por el propio Froese para seguir con el proyecto.
Bajo el liderazgo de Quaeschning, Tangerine Dream ha publicado dos discos de estudio, Quantum Gate (2017) y Raum (2022), en los que se retoma parte de las maquetas musicales dejadas por Edgar Froese entre 1977 y 2013. Ambas producciones no sólo sirven para homenajear la gran carrera del músico y artista alemán, sino también para continuar con la constante evolución de un proyecto que, a lo largo de sus cinco décadas de existencia, se ha caracterizado por llevar siempre al límite la riqueza de los sintetizadores y secuenciadores.
Por: Luis Felipe Maceda.
25. Teatro lúcido – La Femme
La Femme realizó un trabajo exploratorio totalmente en español mezclando sonidos latinos que escucharon durante sus giras por Hispanoamérica. El Teatro Lúcido, ubicado en Santa María La Ribera, CDMX, es un club que libera lo sublime y salvaje del mundo onírico y carnal, y, al mismo tiempo, fue un lugar de inspiración y creatividad para la banda en sus giras por el país, y es por eso que el nombre del álbum es un homenaje a la magia que experimentaron en este lugar cada uno de sus integrantes.
Por: Ricardo Hernández.
24. Mr. Morale & The Big Steppers – Kendrick Lamar
Con su más reciente disco, Kendrick Lamar reafirmó su trono en el escalón más grande de la música contemporánea. En esta obra maestra, Lamar habla sobre sus miedos e inseguridades más oscuras y, al mismo tiempo, deconstruye su personalidad para nutrir su trabajo de algo genuino y poder hablar sin morderse la lengua. Mientras tanto, la profundidad de sus letras no temen a la cultura de la cancelación y enfocan al propio Kendrick como la luz que hace reflexionar sobre algunos temas importantes, sin sentirse el salvador del mundo.
Por: Ricardo Hernández.
23. The Wait – TangoWhiskyMan
El segundo disco de TangoWhiskyMan, titulado The Wait, es un verdadero viaje lisérgico sin retorno. Desde su enigmática portada, protagonizada por un brujo, un conejo y un burro con manos humanas, el álbum mete al escucha en un trance espacial capaz de hacerlo atravesar por diferentes estados mentales gracias a sus casi mágicos sintetizadores, que por momentos nos rememoran a las etapas más psicodélicas de Pink Floyd, Tame Impala y MGMT, y al krautrock alemán de Kraftwerk y Tangerine Dream.
Por: Luis Felipe Maceda.
22. Meridian Brothers & El Grupo Renacimiento – Meridian Brothers & El Grupo Renacimiento
Desde 1998, los Meridian Brothers han fusionado la salsa, la cumbia y el vallenato con sonidos electrónicos y psicodélicos. Esta exploración ha desembocado en diez discos de estudio en los que la agrupación ha llevado estos géneros caribeños a nuevos terrenos.
Sin embargo, para su más reciente producción, la banda colombiana formó una agrupación ficticia llamada El Grupo Renacimiento, con la que intenta rendir homenaje a las agrupaciones de salsa de los años setenta y, al mismo tiempo, reinterpretar el género para abordar temas de nuestra época, como la tecnología, el transhumanismo, la guerra y las relaciones humanas actuales.
Por: Luis Felipe Maceda.
21. Cheat Codes – Danger Mouse, Black Thought
Después de colaborar de manera intermitente durante casi dos décadas, el productor Danger Mouse y el rapero Black Thought por fin publicaron su primer disco colaborativo titulado Cheat Codes, en el que reflexionan sobre sus orígenes y la fama que han alcanzado. Por el disco también desfilan grandes raperos como Killer Mike y El-P (Run The Jewels), A$AP Rocky, Michael Kiwanuka, Kid Sister y MF DOOM, quien fue incluido por Danger Mouse con un verso póstumo en la canción «Belize».
Por: Luis Felipe Maceda.
20. Cave World – Viagra Boys
Los Viagra Boys aterrizaron desde Estocolmo, Suecia, de una forma arrolladora para experimentar con cada una de las variantes del punk con todo el poder escandinavo. Probablemente, Cave World es el pináculo de la carrera de la banda, ya que fusiona la experiencia de todos los integrantes que anteriormente pertenecieron a otros proyectos y ahora expresan líricamente todas sus emociones a través de un aire apocalíptico e irónico sobre la sociedad del consumo.
Por: Ricardo Hernández.
19. The Car – Arctic Monkeys
Después de publicar AM (2013) los Arctic Monkeys tocaron al cielo con las manos, a pesar de esto, en 2018 se propusieron regresar al estudio sin repetir la misma fórmula que tanto éxito les había dado. En aquel momento, Alex Turner cambió la guitarra por el piano y las letras de amor por historias de ciencia ficción, sin embargo, en su desesperado intento por huir de su predecesor, Tranquility Base Hotel & Casino se quedó a la mitad de su metamorfosis y terminó siendo un disco poco memorable.
No obstante, de aquel proceso creativo ya no hubo punto de retorno y en este año el cuarteto de Sheffield regresó con The Car, material en el que se alejan aún más de su viejo sonido para aproximarse a distintos géneros que van desde el lounge pop y el glam rock, hasta el funk y el pop psicodélico. Puedes ser fan o no del nuevo sonido de los Arctic Monkeys, sin embargo, es imposible no destacar su constante innovación estética y sonora que siempre los ha mantenido tres pasos adelante de la escena musical y que ha catapultado a su líder, Alex Turner, como uno de los mejores compositores de su generación y, probablemente, como el rockstar más importante del siglo XXI.
Por: Luis Felipe Maceda.
18. Ugly Season – Perfume Genius
La música de Michael Alden Hadreas, mejor conocido como Perfume Genius, siempre ha gozado de una sensibilidad y expresividad corporal/sexual casi indescriptible. Por lo tanto, no fue ninguna sorpresa saber que iba a colaborar con la coreógrafa estadounidense, Kate Wallich, para musicalizar su pieza de danza contemporánea titulada The Sun Still Burns Here (2019). De esta colaboración, el músico publicó dos canciones, «Eye In The Wall» y «Pop Song», sin embargo, después dejó el proyecto en segundo plano para enfocarse en el lanzamiento de su quinto LP, Set My Heart On Fire Immediately (2020).
No obstante, en este año Hadreas decidió retomar el proyecto y sacarlo a la luz bajo el nombre de Ugly Season, una obra conceptual en la que deja de lado su voz cristalina para experimentar con el sonido y trazar paisajes sonoros igual de hermosos que espeluznantes. A través de 13 piezas, el disco explora con la electrónica, el ambient, el chamber pop, la bossa nova y el reggae, hasta formar lo que fácilmente puede ser considerado como su disco más complejo y significativo hasta la fecha.
Por: Luis Felipe Maceda.
17. Fossora – Björk
Björk, la bruja buena de The Juniper Tree (1990), aterrizó con sonidos nuevos en su ya de por sí fructífero repertorio. Fossora es la experimentación musical utópica acompañada de una voz angelical con sonidos latinos infiltrados de pop.
La creación artística de Björk no tiene límite alguno, ciertamente, sus facetas musicales desde la experimentación la colocaron en un grupo selecto de artistas. La sacerdotisa una vez más es capaz de combinar avant-garde y pop, sin embargo, esta vez, se sacrificó como una madre para compartir un pedazo de su alma que siempre se encuentra en constante cambio.
Por: Ricardo Hernández.
16. Hellfire – Black Midi
Hellfire es una obra teatral llena de sonidos caóticos que envuelven al espectador en un viaje agitado. Las trompetas y el saxofón marcan la pauta del disco, que pasa a través de un jazz perpetuado por arreglos de piano y guitarra y, además, la batería es el artífice que hace que todas las piezas embonen en un verdadero rompecabezas de sonidos experimentales.
El ritmo parece una persecución de los sentidos hasta llegar a un punto lleno de memorias que permiten comenzar una nueva vida, sin embargo, cada palabra de Geordie Greep acentúa el constante movimiento de seguir luchando por nuestros sueños.
Por: Ricardo Hernández.
15. Once Twice Melody – Beach House
El dúo conformado por Victoria Legrand y Alex Scally consolidó su carrera musical con One Twice Melody. Por un lado, se encuentra la armonía característica de la banda que transforma la melancolía en notas acompañadas de sintetizadores y, por otro lado, está la sólida estructura del dúo que edifica la piedra angular para incursionar en sonidos nuevos totalmente envolventes.
Por: Ricardo Hernández.
14. Del Aire – J. Zunz
Lorena Quintanilla, bajo el manto de J. Zunz, exorciza su viaje en las profundidades de las ondas sonoras. Ciertamente, las cualidades de la artista de Ensenada, Baja California, afloran en una atmósfera natural desde el corazón de su proceso creativo a través de reverberaciones surreales que invitan a la repetición en varias capas. Lorena, la mitad de Lorelle Meets The Obsolete, acompaña la transformación sónica de su proyecto por medio de la experimentación que surge desde su interior.
Por: Ricardo Hernández.
13. Magma – Black Flower
Mezclando jazz y psicodelia con ritmos africanos, e influenciados por la música de artistas como Mulatu Astatke y Fela Kuti, el quinteto originario de Bélgica creó en su más reciente disco una pasta musical increíblemente estimulante para nuestros cinco sentidos, y que, como el magma, se vuelve cada vez más sólida al tocar la superficie.
Por: Luis Felipe Maceda.
12. i/O – Mengers
El trío de oro de la Ciudad de México imparte cátedra desde los confines sonoros respaldados por Hugo Quezada en la producción. Con i/O la banda mexicana aterriza un golpe de autoridad en la escena musical de la ciudad para ser punta de lanza en los sonidos de esta misma.
Por: Ricardo Hernández.
11. Everything Was Beautiful – Spiritualized
El fundador de la mítica banda Spacemen 3, Jason Pierece, regresó al estudio después de cuatro años para grabar Everything Was Beautiful. El sonido sigue en la misma línea que sus predecesores, sin embargo, las connotaciones de cada canción poseen un rigor musical inigualable de space rock, combinado con un aura espectral de shoegaze.
Por: Ricardo Hernández.
10. Tresor – Gwenno
La cantante y multiinstrumentista galesa, Gwenno Saunders, comparte un pedazo de su alma en Tresor. El córnico, una lengua variante del céltico, es la base fundamental del álbum. Por supuesto, el detalle de cantar en su totalidad en un idioma extinto no solo representa para ella un tesoro lingüístico exótico, ya que también es el idioma de su infancia, de su familia y su imaginación. Al mismo tiempo, difundir el córnico permite expandir un idioma que ha sido perseguido y marginado hasta su extinción, y ahora Gwenno es la punta de lanza para revitalizar una cultura por medio de la música experimental.
Sin duda, el proyecto solista de Gwenno opaca su etapa con la banda The Pipettes. La música en cada frase de Tresor hace un pacto con la naturaleza de nuestro ser para encontrarnos a nosotros mismos en el punto más vulnerable de nuestra vida y, al mismo tiempo, reflexionar sobre la pertenencia a este mundo lúgubre lleno de matices, donde solo se encuentra la luz buscando en nuestro interior.
Por: Ricardo Hernández.
9. Fuera de lugar – Myuné
Amor Amezcua creó una obra de arte desde la introspección de su alma. Los sonidos de cada nota permiten conocer la clarividencia hipnótica de la naturaleza, y un camino lleno de rostros pavimenta la puesta en escena de un teatro convertido en sonidos. Fuera de lugar convierte el viaje de la autora en una exploración del sentimiento de no pertenecer a un lugar en específico.
Por: Ricardo Hernández.
8. Ice, Death, Planets, Lungs, Mushrooms and Lava – King Gizzard & The Lizard Wizard
El rigor de Stu Mackenzie para crear resonancias mágicas en cada riff engrandece todas las canciones de los australianos. Por este motivo, nunca decepcionan al nicho que han construido a lo largo de una década de trayectoria, en la que incluso han publicado tres discos en un año. La incursión de Ice, Death, Planets, Lungs, Mushrooms and Lava como el primer álbum que abrió la tanda del año es inigualable.
Por: Ricardo Hernández.
7. And in the Darkness, Hearts Aglow – Weyes Blood
Titanic Rising (2019) fue el inició de una trilogía en la que Natalie Mering explora sus miedos más profundos acerca del futuro que estamos construyendo como sociedad. Ahora, tres años después, la cantante y compositora estadounidense ha regresado con el segundo capítulo de esta entrega, mismo que parte de la soledad y el aislamiento provocados por la pandemia para reflexionar sobre nuestra relación con la tecnología y el desgaste que ha sufrido nuestro tejido social.
A pesar de estar rodeado de un contexto claramente pesimista, And in the Darkness, Hearts Aglow se sobrepone a ello para brillar con luz propia y fungir como una especie de guía espiritual en medio de la oscuridad. El viaje que propone Weyes Blood está lleno de matices y emociones encontradas que son difíciles de asimilar, pero que, finalmente, son fundamentales para entender los ciclos naturales de la vida y la muerte.
Por: Luis Felipe Maceda.
6. Skinty Fia – Fontaines D.C.
La repentina popularidad que Fontaines D.C. ha adquirido desde la publicación de su disco debut, Dogrel (2019), ha transformado por completo la vida de los cinco miembros de la banda, quienes incluso han tenido que dejar su natal Irlanda para girar por Europa. Sin embargo, esto no ha provocado que dejen de lado su cultura y su preocupación por la clase trabajadora de su país.
Es por eso que inicialmente Skinty Fia estaba pensando como un disco doble, con un primer lado conformado por canciones de post-punk, y una segunda parte conformada por canciones que recuperan la música tradicional irlandesa, como «The Couple Across The Way». Al final dicha idea fue desechada, pero aun así la banda llenó el álbum de referencias a su cultura y plasmó mejor que nunca las problemáticas de su gente, hasta convertirlo en su disco más irlandes.
Por: Luis Felipe Maceda.
5. Animal del demonio – The Americojones Experience
Las calles de la Ciudad de México están impregnadas de sonidos lúgubres llenos de cultura a cada paso. Desde luego, la perspectiva de The Americojones Experience al exponer la inmundicia de la sociedad en cada canción de su repertorio demuestra que el arte está en cada acción del ser humano.
Los dotes histriónicos de Americo Hollander amalgaman la escena musical mexicana. Sin embargo, el camino de no encajar en ciertos estándares de la sociedad repercute en la creación de su autor dotándolo de actitudes desenfrenadas dignas de un «animal del demonio».
Por: Ricardo Hernández.
4. Ants From Up There – Black Country, New Road
Luego de recibir críticas positivas por su disco debut titulado For The First Time (2021), Black Country, New Road regresó de inmediato al estudio para aprovechar el impulso creativo que traían consigo y grabar su segundo material discográfico, esta vez con más seguridad en sí mismos para explorar diferentes ritmos y llevar su propuesta musical, arriesgada y vanguardista por naturaleza, a nuevos derroteros, influenciados en buena medida por Funeral (2006), de Arcade Fire, Illinois (2005), de Sufjan Stevens, y Happier Than Ever (2021), de Billie Eilish.
A diferencia de su predecesor, que estuvo conformado por canciones que la banda tocaba en vivo desde 2018, Ants From Up There es un álbum más vulnerable e introspectivo. Tanto los instrumentos musicales como la voz del hoy ex vocalista del grupo, Isaac Wood, desprenden una lenta agonía que se hace palpable a medida que avanza el disco, hasta llegar a la catarsis emocional en las últimas dos canciones, «Snow Globes» y «Basketball Shoes».
Por: Luis Felipe Maceda.
3. Cool It Down – Yeah Yeah Yeahs
Tal vez belleza sea la palabra que mejor describa a Cool It Down. Y es que desde el lanzamiento de su primer sencillo, «Spitting Off The Edge of the World», los Yeah Yeah Yeahs nos transportaron a hermosos paisajes sonoros dibujados por sus sintetizadores cósmicos y la voz apacible de su líder, Karen O, quien además fue acompañada por Perfume Genius.
Con este primer adelanto los neoyorquinos dejaron en claro su intención de olvidar el garage rock para mostrar una faceta totalmente contemplativa, en la que surgió su necesidad de reflexionar sobre el futuro del mundo y su posición dentro del mismo. Este ejercicio de reflexión desemboca en una llamarada de emociones que provocan alegrías, tristezas y, sobre todo, un impulso irrefrenable de movimiento para luchar por un mejor futuro. Sin duda, se trata del mejor disco de los Yeah Yeah Yeahs hasta la fecha.
Por: Luis Felipe Maceda.
2. Fear Fear – Working Men’s Club
Pocas bandas tienen la capacidad de evolucionar tanto de su primer a su segundo disco como Working Men’s Club, y eso ya es decir mucho considerando que con su álbum homónimo el proyecto de Manchester, liderado por Sydney Minsky-Sargeant, se llevó el reconocimiento de la crítica y formó una base de fans muy sólida en Occidente.
Sin embargo, en Fear Fear la agrupación no solo se preocupó por hacer música destinada para la pista de baile, también trató de crear canciones con letras más comprometidas en las que reflexionan sobre la muerte, la aceptación y el mundo digital; temas que se contraponen con su música cargada de energía fuera de este tiempo, que a veces nos rememora a proyectos míticos como The Human League, Soft Cell, Gary Numan o The Psychedelic Furs.
Por: Luis Felipe Maceda.
1. A Light for Attracting Attention – The Smile
Aunque Thom Yorke y Jonny Greenwood han formando parte de diferentes proyectos en paralelo a Radiohead, ninguno se había sentido tan cohesionado como The Smile. Sin duda, la inclusión de Tom Skinner, baterista de Sons Of Kemet, y del productor de Radiohead, Nigel Godrich, tuvo mucho que ver para que A Light for Attracting Attention se convirtiera en una cuidadosa yuxtaposición de sonidos e influencias musicales que capturó la esencia de los cuatro músicos.
La ductilidad que tienen los cuatro artistas para saltar de un género a otro convierte al disco debut del grupo en una galaxia, y a las 13 canciones que lo conforman en cuerpos celestes que giran en su propia órbita y vibran a su propio ritmo.
Por: Luis Felipe Maceda.
